jueves, 27 de junio de 2013

Atheist - Elements

Banda: Atheist
Disco: Elements
Año: 1993
Duración: 41:13
Estilo: Death Metal, Metal Progresivo, Jazz Fusión.
País: Estados Unidos



Tracklist:

1. Green
2. Water  
3. Samba Briza 
4. Air 
5. Displacement 
6. Animal 
7. Mineral 
8. Fire 
9. Fractal point 
10. Earth 
11. See you again 
12. Elements

Alineación:

Kelly Shaefer: Vocals, Guitar
Rand Burkey: Guitar
Frank Emmi: Guitar
Tony Choy: Bass
Marcell Dissantos: Drums


Influencias:
Chick Corea
Zappa
Watchtower
Death

Bandas Similares:
R.A.V.A.G.E.
Death
Cynic
Pestilence 
Sadus
Nocturnus
Gorguts

Descripción:
Atheist fusiona el death metal y el jazz y se les considera como la banda pionera en esta mezcla de sonidos (no recuerdo haber escuchado otra banda de Death Metal unir Jazz Fusión antes de 1988, tiempo en que fue grabado su primer disco, además recordando que la prensa especializada llamaba su estilo como Death Fusión, algo que Kelly Schaefer quería llamar Heavy Fusion). Este es su tercer y último disco (hasta el año 2010 cuando la banda lanzó Jupiter), de tématica conceptual, ya que trata de los cuatro elementos arquetipicos griegos (tierra, aire, agua y fuego) contiene ritmos sincopados y posee una gran variedad tal como sucede en el tema "Samba Briza" (Samba). Rand Burkey inicialmente no haría parte del album, pero después de la grabación el vuelve a la banda, en el lapso que estuvo ausente fue reemplazado por Frank Emmi, lo que dejó a la banda con 3 guitarristas. Kelly Shaefer comenzó a sufrir el síndrome del túnel carpiano que fue mellando su habilidad es por esa razón en la actualidad se dedica únicamente a cantar. Finalmente cabe destacar que todo esto fue compuesto, grabado y mezclado en 40 días por "Pro Media Studios" en Gainesville, Florida en Mayo de 1993. En el booklet del disco se da créditos a Marcell Disantos siendo que quién grabó las baterías fue Josh Greenbaum. El disco tuvo un buen recibimiento y hoy ya es un clásico del Death Metal Técnico que debes de escuchar por obligación.



martes, 25 de junio de 2013

Allan Holdswoth - Metal Fatigue

Banda: Allan Holdsworth
Disco: Metal Fatigue
Año: 1985

Duración: 37:22
Estilo: Rock Progresivo, Jazz
País: Estados Unidos (país donde se grabó el álbum)




Tracklist:
1. Metal Fatigue
2. Home
3. Devil take the hindmost
4. Panic station
5. The-un-merry-go-round
6. In the mistery

Alineación:
Allan Holdsworth : guitar
Jimmy Johnson   : bass guitar (panis station - in the mistery )
Chad Weckerman  : drums ( panic station )
Paul Williams  : vocals (panic station )
Alan Pasquea : keyboars ( the-un-merry-go-round )
Gary Willis : bass guitar ( the-un-merry-go-round )
Gary Husband : drums ( the-un-merry-go-round )
Paul Korda : vocals , machine drums ( in the mistery )

Influencias:
Django Reinhardt
Charlie Christian
Jimmy Raney
Wes Montgomery
John Mclaughlin
Pat Metheny
John Scofield
Scott Henderson
Frank Gambale
Michael Brecker
Keith Jarret
Charlie Parker
Cannonball Adderley
John Coltrane

Bandas/Artistas Similares:
Tribal Tech
Frank Gambale
Shawn Lane
Brett Garsed
Greg Howe 
Scott Henderson

Descripción:
Uno de los trabajos más conocidos del mítico guitarrista inglés Allan Holdsworth, poseedor de un sonido único inspirado en el saxofón, recargado con etapa tras etapa de delays, efectos que fueron unidos en una unidad Yamaha llamada Ud-stomp (fabricado a petición por Holdsworth) lo que le otorga sus ocho lineas de delay, una locura. Allan Holdsworth fue alguna vez miembro de algunas bandas de Rock Progresivo (estilo Canterbury) tales como Soft Machine y Gong. Tambien ha tocado con grandes de la talla de Ian Carr, Tony Williams, Jean Luc Ponty, Bill Bruford. Continuando con el disco éste abarca desde los sonidos más saturados a los pasajes de jazz instrumentales más bellos, marcado por rapidísimos legatos en guitarra (en esa época una Ibanez Custom). Disco obligado para guitarristas ya que marca un estilo completamente único, el cuál se puede apreciar en Fredrik Thordendal (Meshuggah) y otros tantos guitarristas (Frank Zappa, Eddie Van Halen, Alex lifeson,  Yngwie Malmsteen, Steve Vai sólo por mencionar algunos) que fueron influenciados por la técnica de Holdsworth. Metal Fatigue consta de una amplia gama de músicos en la grabación pudiéndose diferenciar muchos matices y modos de ejecutar cada instrumento.




lunes, 24 de junio de 2013

Gordian Knot - Gordian Knot

Banda: Gordian Knot
Disco: Gordian Knot
Año: 1999

Duración: 58:07
Estilo: Rock/ Metal Progresivo, Jazz Fusion
País: Estados Unidos




Tracklist:
1. Galois
2. Code/ Anticode
3. Reflections
4. Megrez
5. Singularity
6. Redemption's Way
7. Komm Susser Tod, Komm Sel'ge
8. Rivers Dancing
9. Srikara Tal
10. Grace

Alineación:
Trey Gunn: Warr guitar
Sean Reinert: Drums
Ron Jarzombek: Guitar
Glenn Snelwar: Guitar
Sean Malone: Bass, Stick, Keyboards. 

Influencias:
King Crimson 
Genesis
Yes

Bandas Similares:
Cynic
Canvas Solaris
OSI
Aghora 
Spiral Architect 
Spastic Ink
Watchtower
King Crimson
Genesis
Yes
Riverside
Exivious
Dream Theater
Porcupine Tree

Descripción: 
Banda formada por el bajista/stickista Sean Malone (ex- Cinic), profesor de la Universidad de Missouri (como Teoríco Musical) que ha escrito tres libros "Teoría musical para bajistas", "Diccionario de Ritmos de Bajo" y "Un Retrato de Jaco Pastorius: Colección de solos". Gordian Knot es una banda creada para demostrar la verdadera habilidad de Malone, un trabajo totalmente progresivo con diferentes capas superpuestas de melodías (diatonicas)  y armonías complejas que pasan por el metal y un sonido fuertemente jazzero, el disco es completamente instrumental. Según propias palabras de Sean "El primer CD de Gordian Knot fue escrito casi completamente alrededor del Stick". De díficil clasificación por ejemplo en Komm Susser Tod, Komm Sel'ge es una transcripción del una pieza del mismo nombre de Johann Sebastian Bach, al igual que Grace un tema con toques de música Barroca sin caer en el Neoclásico, por otra parte Code/ Anticode se basa en el contrapunto incorporando acordes de Jazz e intervalos disonantes para crear tensión dando a luz una mezcla de Rock/ Metal Progresivo y Jazz Fusión. Para que Malone pudiese expresar toda su técnica tuvo que recurrir a músicos de la talla de Ron Jarzombeck (Ex-Watchtower, Spastic Ink) y Trey Gunn (King Crimson), un disco progresivo muy por encima de otras bandas del mismo género, solo para pacientes ya que se requiere escucharlo muchas veces para apreciar la variedad y los pasajes MIDI muy parecido a los teclados ejecutados por las cuerdas. Grabado en Florida, Nuevo México y Nueva York. Disfrútenlo.





The Chick Corea elektric band - The Chick Corea elektric band

Banda: The Chick Corea elektric band
Disco: The Chick Corea elektric band
Año: 1986

Duración: 57:02
Estilo: Jazz Fusión
País: Estados Unidos




Tracklist:
1. City Gate
2. Rumble
3. Side Walk
4. Cool Weasel Boogie
5. Got A Match?
6. Elektric City
7. No Zone
8. King Cockroach
9. India Town
10. All Love
11. Silver Temple

Alineación:
Chick Corea: KeyboardsSynthesizer Programming
John Patitucci: Electric and Acoustic Basses
Dave Weckl: Acoustic and Electric DrumsPercussion
Scott Henderson: Guitar ("King Cockroach")
Carlos Rios: Guitar ("Side Walk", "Cool Weasel Boogie" y "ElektricCity")

Influencias:
Art Tatum
Béla Bártok
Bill Evans
Bud Powell
Horace Silver
L. Ron Hubbard
McCoy Tyner
Miles Davis
Sun Ra
Thelonius Monk
Ahamd Jamal
Les McCan
Mongo Santamaría

Artistas similares:
Gary Burton
Herbie Hancock
Joe Zawinul
Keith Jarret
Bennie Green
Bobby Henriquez
Joe Bonner
John Hicks
Michel Camilo
Dave Brubeck
Fly
Larry Karush

Descripción:
Alucinante disco de fusión por el multifacetico pianista y compositor Armando 'Chick' Corea ex "Mongo Santamaria". Trabajó también con el afamado compositor de "Watermelon Man" Herbie Hancock, Stanley Clark y otros influyentes del Jazz. Este demoledor trabajo consta de un impecable trabajo en guitarra en el tema "King cockrach" por Scott Henderson (Tribal tech) quien se peleó con Chick debido a que Corea es un Cienciologo y se lo toma muy en serio, para Henderson es una completa ridiculez (para mi también, sin discutir su talento, obvio) Henderson fue remplazado definitivamente por la maquina australiana Frank Gambale en guitarra, otro tema famosisimo del disco es Got a mach? un espectacular "walking" donde se bate a duelo el bajista Patitucci (también cienciologo) contra el mismísimo corea , acompañados por Dave Wekcl en batería, sin lugar a dudas uno de los temas mas difíciles técnicamente de Corea, el eterno Nemesis para bajistas y bateristas, una joya.

 


domingo, 23 de junio de 2013

Jaco Pastorius - The birthday concert

Banda:  Jaco Pastorius
Disco: The birthday concert
Año: 1981

Duración: 69:22
Estilo: Jazz
Fusión
País: Estados Unidos





Tracklist:
1. Soul Intro (Pastorius) / The Chicken (Ellis) 
2. Continuum (Pastorius) 
3. Invitation (Kaper) 
4. Three Views of a Secret (Pastorius) 
5. Liberty City (Pastorius) 
6. Punk Jazz (Pastorius) 
7. Happy Birthday (M. & P. Hill) 
8. Reza (Pastorius) 
9. Domingo (Pastorius)
10. Band Intros
11. Amerika (Tradicional) 

Alineación (incluye invitados):
Jaco Pastorius: Bajo Eléctrico
Bob Mintzer: Saxos Sprano y Tenor, Clarinete bajo
Michael Brecker: Saxo Tenor
Randy Emerick: Saxo Barítono
Dan Bonsanti: Saxo, Woodwins
Neal Bonsanti: Saxo, Woodwins
Gary Lindsay: Saxo, Woodwins
Brian O’Flaherty: Trompeta
Ken Faulk: Trompeta
Brett Murphey: Trompeta
Melton Mustafa: Trompeta
Russ Freeland: Trombón
Mike Katz: Trombón
Dave Bargeron: Trombón, Tuba
Randy Emerick: Trombón Bajo
Peter Gordon: Fliscorno
Jerry Peel: Fliscorno
Steve Roitstein: Fliscorno
Peter Erskine: Batería
Don Alias: Percusión
Othello Molineaux: Percusión Metálica
Paul Hornmuller: Batería, Percusión
Bobby Thomas Jr: Congas
Oscar Salas: Percusión .

Influencias:
Ira Sullivan
Max Roach
Burt Bacharach
Cannonball Aderlley
Charlie Parker
Frank Sinatra
Herbie Hancock
John Coltrane
Stan Kenton
The Meters
Jimi Hendrix
The Beatles
The Rolling Stones

Artistas Similares:
Al McDowell
Ehberhard Weber
John Patitucci
Alphonso Johnson 
Gil Evans
James Blood Ulmer
Pete Levin
Prime Time

Descripción:
Para celebrar el cumpleaños numero treinta (1 de Diciembre de 1981), Pastorius decidió hacer su propia fiesta sorpresa en el local “Mr. Pip”, en Fuerte Laudedale, Florida, EEUULugar donde transcurrió su infancia y donde viven sus cuatro hijos. Invitó a muchísimos amigos músicos,  para llevar a cabo la presentación de lo que luego sería, el álbum que hoy les traemos: “El Concierto de Cumpleaños”. Jaco fue un músico autodidacta, modificó artesanalmente su bajo fender jazz bass 1962 extrayéndole los trates dejándolo fretless (destrastado) consiguiendo un sonido cercano al contrabajo acústico que junto a su inusual técnica de digitacion llevo al bajo eléctrico hacia el siguiente nivel conviertiendose en un instrumento solista, antes de Jaco el bajo se relegaba solo para acompañamientos, conviertiendo a Pastorius uno de los bajistas mas influyentes de todos los tiempos. La música de Jaco pasa por la fusión ritmos Jazz, Afro, Funk y ritmos latinos. Disco obligado para los amantes de las cuatro cuerdas

 


Scott Henderson

Banda : Tribal Tech
Guitarrista : Scott Henderson
Discos : Spears, Dr. Hee, Nomad, and Tribal Tech.
Tipo : Libro de Transcripciones


Tracklist:
1. Big girl blues
2. Caribbean
3. Elvis at the hop
4. Mango prom
5. Nomad
6. Peru
7. Rituals
8. Signal path
9. Spears
10. Sub

Descripción:
Transcripción completa en partitura, nota por nota para guitarra y bajo de la banda fusión tribal tech, solo para músicos de alto nivel.


    Congreso - Ha llegado carta

    Banda: Congreso
    Disco: Ha llegado carta
    Año: 1983
    Estilo: Rock, Folklore

    País: Chile 



    Tracklist:
    1. Canción Didáctica N° 1
    2. En el Patio de Simón
    3. El último Bolero
    4. Sur
    5. Primera Procesión
    6. ...Y Entonces nació
    7. Se desplomen los armarios (Que florezca el sentimiento)
    8. Ha llegado carta
    9. Ingreso a la hiperbórea del Sur

    Alineación:
    Joe Vasconcellos: Voz, Percusion Indigena, Trutruca, Tarkas, Zampoña
    Hugo Pirovich: Flautas, Flauta dulce
    Ricardo Vivanco: Marima, Percusion
    Fernando Gonzales: Cello, Guitarra acustica, Charango
    Ernesto Holman: Bajo
    Anibal Correa: Piano
    Sergio Gonzales: Bateria, Percusion.

    Influencias:
    The Beatles
    Frank Zappa
    Jaco Pastorius
    Los Jaivas

    Bandas Similares:
    Fulano
    Joe Vasconcellos
    Los Jaivas
    Inti-Illimani
    Santiago del nuevo extremo

    Descripción:
    Congreso se formó 1969 en la localidad de Quilpué (Quinta Región). Es un estupendo disco, fresco y colorido. Mezcla diversas influencias como el Jazz, Rock, Música de Cámara, Folklore, Música Andina, Boleros y ritmos Afro brasileños. Se debe escuchar con mucha atención para notar todas las matices. El bajo contundente de Ernesto Holman (padre de los bajistas eléctricos chilenos) hace hablar al bajo fretless logrando matices inigualables. Cuenta la historia que Ernesto viajo a Nueva York para ver al gran bajista Jaco Pastorius (creador del bajo Fretless) quien al final del concierto tocó para Ernesto. Otra de las grandes historias relacionadas a este disco es la grabación del tema "Ingreso a la Hiperbóla del sur" la cuál se efectuó en vivo en un ciclo de conciertos organizados por la radio Beethoven en 1982 cuando el entonces joven pianista Aníbal Correa (egresado del conservatorio de la Universidad de Chile) muestra su excelente técnica, cabe destacar la colaboración de la Orquesta Sínfonica juvenil de la Universidad de Chile y la cantante Mariela Gonzalez.



      Fulano - Trabajos inutiles

      Banda: Fulano
      Disco:Trabajos inutiles
      Año: 1997
      Estilo: Jazz Fusión, Rock Progresivo, Avant Garde
      País: Chile 


       
      Tracklist:
      1. Huevito
      2. Godzila
      3. Nadie nos conoce
      4. Canción formal (en 7/8)
      5. Rope Cochi Loma
      6. Más alla del deber
      7. Señor gorro capucho
      8. Krikalev
      9. Arañas del tribunal

      Alineación:
      Arlette Jequier: Voz principal.
      Jaime Vivanco: Pianos, Sintetizadores, Voz ocasional.
      Jorge Campos: Bajo, Guitarra.
      Jaime Vasquez: Flauta, Saxofón alto y tenor, Flauta dulce.
      Cristian Crisoto: Saxofón soprano, alto y baritono, Flauta, Clarinete y Bajo.
      Raul Aliaga: Bateria, Marimba, Percusion, Juguetes, Voz.
      Colaboradores: Regina Cristoso (Coros en 2), Rafael Chaparro (Saxofón tenor en 3)

      Influencias:
      Frank Zappa
      Weather Report
      Hermeto Pascoal

      Bandas Similares:
      Mediabanda
      Horeja
      Entrama
      Mar de Robles
      CHC
      Ergo Sum
      Congreso

      Descripción:
      Último disco de Fulano con la compañia de su miembro fundamental, Jaime Vivanoco, el cuál se le rinde homenaje a través de la agrupación "Media Banda" en el disco "Dinero y terminación nerviosa", en el tema "Doctor vertical", cabe destacar que este es un disco maduro que a su vez transmite talento y buendas ideas, un disco jazzero que pasa por el Rock, algo de Funk y Pop que se desplega en el tema "Canción forma en 7/8", en la cuál Fulano afirma preferir la música antes de la fama, el disco también tiene impresionantes piezas como mi favorita "Godzilla", Arlette en esta canción sigue con su voz al piano de Vivano con un fraseo imposible. Otro punto alto entre toda esta maravilla es "Rope Cochi Loma", que es un estudio preeliminar del tema "Perro Chico Malo" del disco "En el Búnquer" el cuál fue el primer disco doble en la industria nacional, es aquí donde Jorge Campos afina el solo de bajo y logra un sonido elegante y demoledor, sin más, en memoria de Jaime Vivanco, disfrtenlo. 




      Fulano - Fulano

      Banda: Fulano
      Disco: Fulano
      Año: 1987
      Estilo: Jazz Fusión, Rock Progresivo, Avant Garde
      País: Chile 


      Tracklist:
      1. Fulano
      2. Maquinarias
      3. Tango
      4. Fruto del goce
      5. Suite recoleta
      6. El calcetín perseguido
      7. 1980 (o esto no es bueno ni malo sino muy por el contrario)
        Alineación:
        Jorge Campos: Bajo, Guitarra.
        Cristián Crisoto: Flauta, Saxofón y demás instrumentos de viento.
        Arlette Jequier: Vocal, Clarinete.
        Guillermo Valenzuela: Bateria.
        Jaime Vasquez: Flauta, Saxofón.
        Jaime Vivano: Piano, Teclados.

        Influencias:
        Frank Zappa
        Weather Report
        Hermeto Pascoal

        Bandas Similares:
        Mediabanda
        Horeja
        Entrama
        Mar de Robles
        CHC
        Ergo Sum
        Congreso

        Descripción:
        Grupo vanguardista chileno, este es su primer disco y fue lanzado a finales de los 80's, un disco que viaja a traves del acid jazz y el rock, contenido político contestatario escondido tras complejas melodías, este es sin lugar a dudas uno de los mas interesantes trabajos realizado por conjunto nacional alguno, de la mano de potentísimas lineas de bajos por Jorge Campos, imparable voz de Jequier la cual se mezcla instrumentalizando la voz con la batería de vientos de Crisosto y Vasquez, la percusion mas jazzera de fulano por el señor Guillermo Valenzuela, Vivanco como siempre sobrio y acertado en los teclados, una lástima que estos trabajos sean desconocidos para muchos, no obstante con cariño les dejamos un link para que tengan la oportunidad de escuchar este grandioso trabajo.

         


        viernes, 21 de junio de 2013

        Introducción


        Primera entrada... Una vez Schopenhauer dijo "la música es el arte más elevado y está al mismo nivel que el de las propias ideas Platónicas, en la medida en que la música también es una objetivación inmediata  de la voluntad."


        La música es nuestra representación del mundo hablada a través del lenguaje musical, nuestro mundo es tan amplio como tan amplio lo es el mundo de las ideas y estas ideas se alcanzan por medio del pensamiento racional presente únicamente en nuestra especie, para expandir nuestro mundo (la música) es necesario la voluntad, la voluntad de querer ir un paso más allá, esos pasos sólo se pueden dar a medida que exploras y descubres tal cómo el hombre antiguo, remontándose a los humildes inicios de la música hace más de 3.400 años atrás en Siria con la canción más antigua, la llamada "Himno de Ugarit" compuesta con una escala diatónica de 7 notas. 



        Edad Antigua
        Los origenes de la música en la Edad Antigua tenia distintos puntos de inicio ya sea en Mesopotamia, Egipto, India, China o Grecia.

        Mesopotamia
        Se dice que la música se origino en la Antigua Mesopotamia, existe información que data de hace 50 siglos a.C. que mencionan la  invención de instrumentos de percusion y cuerdas. El primer pueblo en asentarse entre los ríos Tigris y Eufrates fueron los Sumerios quienes usaban instrumentos (Arpas, tambores, Panderetas, Liras y Cascabeles) para acompañar los Salmos. El descubrimiento de cuatros textos cuneiformes acadios describen la teoría musical de Mesopotamia desde el año 1.800 hasta aproximadamente el año 500 a.C. ofreciendo evidencia musical 1.400 años antes de lo previamente conocido de las fuentes griegas. Se tiene conocimiento que los acadios usaban siete escalas heptatónicas-diatónicas diferentes muy similares a las de la actualidad. Un texto cuneiforme fue traducido por expertos (Richard L. Crocker, Anne D. Kilmer y Robert R. Brown) de la Universidad de California en Berkeley (en el año 1.974), anunciaron haber descifrado la canción más antigua del mundo conocido como el Himno a la Diosa Nikkal (ver video que está más arriba) perteneciente al pueblo Hurritas (actual Ugarit, Siria) del año 1.400 a.C. se puede apreciar la influencia de la notación musical acadia.  
         
         (Escritura cuneiforme)

        Luego estas tierras fueron ocupadas por el pueblo de Babilonia (XIX - XIII a.C.), su música tambien fue de caracter religioso, se fusionaban los Salmos e Himnos, su instrumento era la flauta. Un nuevo pueblo se asenta, los Sirios (XIII - VII a.C.), su música no es solo religiosa sino tambíen Profana, su instrumento principal era la Trompeta. En la ocupación Caldeo "Neo-Babilonicos" (VII - VI a.C.) la música se relaciona estrechamente con las mátematicas y la astrología, su teoría consistia en la división de una cuerda en proporciones 1:1, 1:2, 2:3 y 3:4. Pítagoras (VI a.C.) tomó la teoría musical de los Caldeos. Se cree que la música clásica Persa se inició junto con la creación del Imperio (siglo IV a.C.), sin embargo existe muy poca información. En el período pre-Islamico bajo los Aqueménidas (550-330 a.C.) la música fue usada a modo de culto, se podía encontrar instrumentos como arpas, tambores, laúdes y flautas. Sin embargo la primera evidencia escrita es de la época Sasánida (226-643 d.C.). Khosrau II fue el músico más famoso de la corte de Barbod, se dice que desarrollaron un sistema musical de siete estructuras modales (conocido como los Modos Reales), treinta modos derivados y 365 melodías asociados a los días de la semana, mes y año. Con la invasón arabe (643-750 d.C.) la música fue suprimida por un tiempo. Se ha determinado algunos tipos musicales, por ejemplo los Himnos estaban compuestos de largas estrofas o la Letanía estaba compuestas de diversos versos. Tambien se sabe de la existencia de Salmos, Lamentación (ceremonias funebres), Encantamiento (función mágica). Por otra parte ya se usaba  la música (siglo VII a.C.) como entretención o sinonimo de batalla. La Mesopotamia Antigua influencio en gran medida al Antiguo Egipto.


        Egipto
        En Egipto, la música se le atribuye al Dios Thot, pero que fue usada por Osiris para civilizar al mundo. Las claves píctoricas que han sobrevivido, evidencian la existencia de la música de Egipto desde el año 3000 a.C. Se dice que desde el siglo XX a.C. la voz humana era considerada como el instrumento más poderoso para comunicarse con las fuerzas del más alla. Fueron influenciados por los Hicsos en el siglo XVI a.C. al introducir el doble Oboe. El culto ya no es lo único importante, tambien existen  fiestas mundanas con música. Se sabe que usaban escalas Diatónicas, Pentatónicas y Heptatónicas y se les atribuye la creación del Arpa y del Laúd (aparecen primeramente en la verdadera cúltura elevada, en el Imperio Antiguo del tercer milenio antes de Cristo), las flautas largas y los clarinetes de doble tubo eran reservados para hombres, mientras que los instrumentos de cuerda podían tocarlos las mujeres de origen noble. Posiblemente fueron los pioneros en el uso de la Polifonia e influenciaron a la cúltura griega. 


        India 
        La música clásica del sur de la India llamada música Carnatica o Karnátaka (derivada de la palabra Carnataca Sangitam que significa "música tradicional") tiene su origen con las formas musicales que ofrecen los textos litúrgicos de los Holocaustos Védicos que llegan hasta el segundo mileno antes de Cristo, sin embargo está música practicada en el norte de la India recibe el nombre de música Indostaní, pero ya sea norte o sur toda la música en la India responde a las escalas o Ragas y el ritmo o Tala. Los Veda (libros sagrados de los Hindús) de Ceylán contienen los cantos del más antiguo período que se ha conocido, y la sucesiva fase de la música primitiva es representada por las innumerables tribus que se refugiaron en los valles y las selvas para escaparse de las incursiones de los invasores del norte (la zona sur de la India nunca fue conquistada por Mongoles y los Persas-Arabes, logrando que la música Carnatica fuera propia de la India). Se sabe que la más antigua etapa de la cultura india, la considerada civilización primitiva hindú del tercer milenio a.C. tenía como parte de su cultura musical instrumentos tales como: trompetas (nadasuaram), tambor (tavil) y arpas. El más importante tratado sobre música antigua, se haya en siete capítulos 28-34, el único libro del Bharata sobre arte teatral de la India, el Natya-sastra, entre estos capítulos solo el vigesimooctavo se ha traducido. Algunos situan este tratado en los primeros siglos de nuestra era; sin embargo en estudios más recientes la ubicán entre los siglos IV - V a.C. Las escalas de la India son innumerables. Aunque existe una especie de escala tipo a la cual se refieren en fuentes mucho más antiguas: el Rikprātisakhya y la epoda Rāmāyana, ambas escritas alrededor del año 400 a.C.

        Grecia
        El origen de la palabra música deriva de las nueve musas de la Grecia Antigua, la música para los griegos tuvo su origen con Hermes (creador del Arpa), se puede hablar de 4 grandes periodos, el primero va desde los siglos XI a VIII a.C., el estilo practicado era conocido como Geométrico, sus formdas eran Khitarodia (canto + instrumentos), Proemio (Himno a los Dioses), Aulodía (canto + acompañamiento aulos) y Canto Coral (Himnos religiosos). El segundo periodo corresponde a los siglos VII a VI a.C., se conoce como la etapa Arcaica, se practicaba la Kilthardía (Pean, canto a Apolo e Himno, canto a los Dioses), Aulodía (Ditrambo, canto a Dionisio, Treno, lamento funebre, Himeneo, canción de novia y Escolión, canción báquica), Canto Coral y la Música Instrumental (Kitharistica y Auletica). El tercer periodo es la época Clásica (V a.C.) su forma era la Tragedia y finalmente el cuarto periodo es el Helenístico (IV-I d.C.) sus variantes eran la Tragedia y el Recital de Virtuosos.  La música griega era monódica, las voces eran seguidas por instrumentos (Heterofonía). La notación griega era alfabética, la altura de los sonidos se representaban mediante letras. Los griegos conocían todos los intervalos que en la actualidad existen, el tono, el semitono y el cuarto tono.  El tono daba origen al sistema Diatónico, el semitono al sistema Crómatico y el cuarto al sistema Enharmónico. Se desarrollaron los "Modos Griegos" (Dorio, Frigio y Lidio) que establecierón los fundamentos teoricos para las posteriores escalas musicales, tal como el flautista frigio Olimpos quién inventó la escala Dórica. Retomando los Modos Griegos estos representaban los estados de ánimo de las personas, el Modo Frigio expresaba conductas apacibles, el Modo Lidio expresaba la tristeza y el dolor. Pítagoras fue una fuerte influencia al formular las proporciones de la música (octava, quinta, cuarta, doceava y doble octava).La música griega tambien tuvo influencia en los cantos liturgicos medievales, ya sea en los Cantos Bizantinos o en los Cantos Gregorianos.




         Epitafio de Sekilos: escrita por Seikilos para su mujer Euterpe en el siglo I d.C.
        Brilla, mientras estés vivo, no estés triste, porque la vida es por cierto corta y el tiempo exige su retribución.

        (A partir del minuto 16, explicación teoríca de Pítagoras)

        Semitas
        Alrededor del año 2000 a.C. varias tribus nómadas semitas salieron del desierto y empezaron a recorrer las rutas seguidas por las caravanas a través de la meseta litoral de Palestina, entre Egipto y Siria. Estos nómadas a su vez se autodenominaban "Habiru" tenian en mente la existencia de un único Dios. El esplendor de Israel se dió en el siglo último antes de Cristo. El primer gran músico hebreo fue el rey David, cantor, compositor e instrumentalista, fue el primer gran compositor de Salmos, el Salmo más evocado es "Eloai, Eloai, ¿Lama Sabactani?". Los Antiguos hebreos cultivaban mucho la música, especialmente la dedicada al culto. En el destierro luego de haber sufrido la destrucción del Primer Templo (año 586 a.C.) su estilo musical cambió, adquiriendo un aire marcial. Cuando Ciro, rey de Persia, liberó a los hebreos en el año 539 a.C. estos regresarón a Jerusalem y construyerón el segundo Templo, lo que acrecentó su celo religioso produciendo música vocal e instrumental característica de la Liturgia hasta la era común. En el año 322 a.C. Alejandro magno conquistó el imperio Persa lo que puso en contacto a los hebreos y griegos, lo que generó cambios en su música como la implementación de la escala Diatónica que fue combinada con la escala Pentatónica Hebrea.

        En China, el emperador Fu-Hsi era considerado como el fundador de la música. Huang-Di por su parte había creado los doce LU o intervalos del sistema tonal. usaban el sistema de doce escalas y la distinción entre tonos masculinos y femeninos, así como su formación conocian los ciclos de quintas. El apogeo musical tienen lugar en la brillante dinastía Tang (618-906).

        En la edad Media en Europa desde el siglo V al XV hubo un desarrollo musical dado por los Cantos Monofónicos y Polifónicos. Los cantos Monofónicos también llamados Cantos Gregorianos (en honor al Papa San Gregorio I El Magno) surgieron en el siglo VI hasta el siglo X, constían en una oración cantada o canto a capela sin acompañamiento instrumental, su nombre se debía a que todos cantaban al unísono (Monodia) en idioma latín. Al irse cristianizando las diversas comarcas occidentales se iban desarrollando diversos estilos de canto, al mezclase con las costumbres locales. De este modo aparecen el canto Ambrosiano en Milán, el canto Viejo-Romano en Roma, el canto Mozárabe o Visigótico en la Península Ibérica, el canto Galicano en Francia o el Canto Beneventano en el sur de Italia.Se desarrolaron algunas variantes clasificadas según la manera de cantar (Antifonal, Responsorial y Directo) o por la relación del texto y la música (Silábico, Neumático y Melismático). La Notación musical se realizaba a través de la notación Neumática, está a su vez podía clasificar en Adiastemática que se originó en el siglo VIII, consitía en usar neumas (Punctum, Virga, Clivis y Podatus) para recordar la melodía y en el siglo IX se usó la notación Diastemática que se caracterizaba por el uso de líneas para señalar la altura de los sonidos. Por otra parte en el siglo XI Guido d´Arezzo (995-1050) fue tremendamente influyente ya que es considerado como el inventor del Tetragrama lo que se llamó notación cuadrada, además, fue el creador de la notación musical actual (UT, RE, MI, FA, Sol, LA, SI. El UT se sustituyó por DO).La primera vez que se usó dicho sistema fue en el himno a San Juan "Ut queant laxis". 

        Continuando en Europa en el siglo VIII, los cantos Monofónicos se adaptarón en lo que se llamó Monodia Profana, los cuáles eran cantos acompañados por instrumentos musicales y estaba destinada mas que todo a la diversión, se pueden mencionar a los Jugglares, Ministriles, Goliardos, Trovadores, Minnesanger y Meistersinger. La tematica de su música consistia por lo general en el amor, la guerra y la naturaleza o en contrparte a la crítica social, al poder y a la iglesia.

        La Polifónia se desarrolló a partir de la Monofonía alrededor del siglo IX, en la Polifónia primitiva a la Vox principalis le era añadida una segunda voz llamada Vox Organilis en lo que se llamaba Organum. Se perfeccionó la Melisma (la técnica de cambiar  la altura de una sílaba musical mientras es cantada) y la técnica Discantus ( a la voz principal una segunda discurre por un movimiento contrario). A finales de la Edad Media siglo XII se origina otra variante conocida como Ars Antiqua ideada por la Escuela de Notre Dame, como lo son Conductus (la voz principal no es gregoriana, es inventada por el compositor), el Motete (una pieza a 3 voces, donde también se podían mezclar distintos ritmos e idiomas) y el Canon (existe una sola melodía, que se va repitiendo a través de diferentes voces o instrumentos). Dentro de la Polifónia se pueden mencionar algunos adelantes, los primeros compositores como Léonin y Pérotin ambos pertenecientes a la Escuela de Notre Dame. El compositor Guillaume de Machaut (1330-1377) en su obra la Messe de Notre Dame inició el contrapunto medieval.


        Actualmente existen diversas variantes musicales, algunas ya han sido tratadas de una manera bastante amplia, y es por ello que sería de mayor utilidad comentar de grupos y o bandas que son ajenas del común de la sociedad, por lo tanto se espera poder compartir un granito de conocimiento a través de éste blog.